Barnett Newman

Criado en Manhattan y el Bronx, tomó clases de dibujo en la Art Students League mientras todavía estaba en la escuela secundaria (1922), una actividad que mantuvo durante los siguientes 4 años (1923-7) mientras estudiaba para obtener un título de filosofía del City College of Nueva York. Después de graduarse, Newman trabajó en el negocio de ropa de su padre. Además, durante 1929-30, nuevamente entrenó en la Art Students League. Durante su tiempo allí, se hizo amigo de Adolph Gottlieb (1903-74), quien lo presentó a otros pintores y galeristas de Nueva York. Sin embargo, él y sus padres sufrieron graves dificultades financieras durante la Depresión, una situación agravada por su negativa a unirse al Proyecto Federal de Arte, que veía como una forma de ayuda social. Consiguió ganar dinero extra enseñando arte en varias escuelas secundarias.

En 1936, se casó con una maestra, Annalee Greenhouse. Alrededor de 1940, abandonó la pintura para concentrarse en estudiar ornitología e historia del arte. También escribió críticas de arte y ayudó a organizar exposiciones para varias galerías, incluida la galería Betty Parsons.

En 1944, Newman regresó a la pintura, después de destruir la mayor parte de su trabajo anterior, y en los siguientes 5 años desarrolló su estilo característico de Color Field Painting: un estilo acorde con su punto de vista que, en una era de incertidumbre moral e inseguridad física, el único tema legítimo para un artista era lo "sublime". Este concepto de un estándar absoluto de excelencia, o "grandeza" creativa, lo inspiraría durante la mayor parte de su carrera. También llevó al crítico de arte británico David Sylvester a escribir sobre la "grandeza cósmica" de Newman y el "pathos cósmico" de Mark Rothko.

En 1946, la Galería Betty Parsons comenzó a representarlo. En 1947 fue curador de una exposición para la galería, titulada The Ideographic Picture, que mostraba pinturas de Mark Rothko, Clyfford Still y Hans Hofmann (1880-1966). En esta y otras actividades, Newman estaba buscando una forma de arte que fuera más eterna que algo tomado de la naturaleza, que pudiera fecharse o deteriorarse. Al año siguiente escribió un artículo importante sobre Color Field Painting, titulado "The Sublime is Now" (1948). En el mismo año produjo Onement I (MoMA, Nueva York), un lienzo rojo oscuro dividido de arriba a abajo por una sola franja de color rojo claro. Estas rayas (Newman las llamó cremalleras) se convirtieron en una característica regular de su trabajo.

Utilizó estas cremalleras como un dispositivo, junto con sus campos únicos de colores intensos, para ayudarlo a "conectarse" con el espectador, y viceversa. Otras obras similares incluyeron Be I (1949, The Menil Collection, Houston, Texas) y Covenant (1949, Hirshorn Museum and Sculpture Garden). Además, escribió artículos que propagaban sus puntos de vista filosóficos sobre la estética contemporánea para varias publicaciones, incluido "Tiger's Eye", donde fue editor adjunto. De esta manera, gradualmente se ganó la reputación de ser un portavoz bastante controvertido del arte de vanguardia. También se unió a Baziotes, Rothko, Motherwell y el escultor David Hare (1917-92) en la fundación de Temas de la Escuela de Arte, un proyecto educativo destinado a promover el arte moderno, que desafortunadamente colapsó en 12 meses.

Sus nuevas imágenes se exhibieron por primera vez al público en la Betty Parsons Gallery, en 1950, y desencadenó una reacción principalmente negativa. Una pintura incluso fue desfigurada. Una segunda exposición individual en el mismo lugar siguió en 1951, con resultados similares. Desilusionado, Newman abandonó la escena de la galería, y durante los siguientes 3 años (1952-55) su obra no se exhibió en ningún lado. Sin embargo, continuó trabajando, aunque su peculiar estilo tendía a aislarlo un poco del gestualismo dominante de sus colegas. En 1956 dejó de pintar y en 1957 sufrió un ataque al corazón.

Sorprendentemente, se recuperó. En un contexto de ortodoxia cambiante en el arte abstracto contemporáneo, comenzó a trabajar en una serie de 14 imágenes en blanco y negro: Las Estaciones de la Cruz (1958-66), que muchos consideran su mayor logro. Subtitulada "¿Por qué me has abandonado?", las palabras de Cristo en la cruz, la serie es vista por algunos como una referencia a las víctimas del Holocausto. En 1959, el influyente crítico de arte Clement Greenberg (1909-94) organizó una exposición individual para él en French & Company, un espectáculo que resultó decisivo para ayudar a rehabilitar a Newman como uno de los principales contribuyentes al expresionismo abstracto.

Desde principios de la década de 1960 en adelante, su trabajo comenzó a ser gradualmente representado en varias exhibiciones importantes de pintura expresionista abstracta, aunque era particularmente sensible sobre el significado correcto dado a su trabajo, un atributo que lo llevó a rechazar una oferta para participar en 1962 en la Exposición sobre abstracción geométrica en el prestigioso Museo Whitney de Arte Americano. En 1966, el Museo Samuel R Guggenheim dio a Newman su primera exposición importante en un museo, mostrando sus Estaciones de la Cruz. Siguió esto con una serie de pinturas excepcionalmente grandes caracterizadas por colores puros vibrantes, como su serie Who's Afraid of Red, Yellow and Blue (1966-8) y la Anna's Light de 28 pies x 9 pies (1968). Incluso exploró el género del lienzo con forma, pintando varios lienzos triangulares.

Barnett Newman tuvo una profunda influencia en toda una generación de pintores de la década de 1960, incluidos artistas importantes como Frank Stella y Donald Judd. Pero incluso hoy, a pesar del trabajo de la Fundación Barnett Newman, creada en 1979 para promover la comprensión de su trabajo, el significado de gran parte de su pintura sigue siendo oscuro. El misticismo judío, el Antiguo Testamento, el anarquismo y los recordatorios del Holocausto, son solo algunos de los factores que se debatieron como inspiración para sus pinturas.

El 4 de julio de 1970, Newman murió de un ataque al corazón en Nueva York.