Meret Oppenheim

El padre de Oppenheim era judío alemán y su madre era suiza. En 1914, al estallar la Primera Guerra Mundial, la familia se mudó de Alemania a Suiza. Meret fue animada por su padre y por su abuela materna, la autora e ilustradora Lisa Wenger-Ruutz, a dedicarse al arte. Así, en 1929 comenzó sus estudios de arte en la Kunstgewerbeschule en Basilea (hasta 1930). Luego se mudó a París y asistió brevemente a la Académie de la Grande Chaumière en 1932.

Estar en París le ofreció a Oppenheim la oportunidad de conectarse con los principales artistas de vanguardia que, más que enseñanzas, le dieron ingreso al mundo del arte. En 1933 conoció a Alberto Giacometti, Man Ray, André Breton y Jean Arp. Meret fue absorbida rápidamente por el círculo surrealista, exhibiendo tres pinturas en el Salon des Surindépendants en París en 1933. Poco después de conocer a Man Ray, se convirtió en su musa, modelando para imágenes como Érotique Voilée (1933), en la que aparecía desnuda detrás de una gran rueda de impresión, con el antebrazo izquierdo y la mano cubiertos de tinta negra y sostenidos contra su frente. La imagen fue publicada en el diario del movimiento surrealista, Minotaure, en 1934. Ese año también comenzó una relación romántica con el artista Max Ernst, que duró apenas un año. En 1935, participó en exposiciones internacionales surrealistas en Copenhague y Tenerife, Islas Canarias y, un año más tarde, en Londres y Nueva York.

Durante la década de 1930, Oppenheim creó conjuntos de elementos cotidianos, muchos de los cuales evocaban el erotismo, como My Nurse (1936), un par de zapatos de tacón alto atados juntos como un ave de caza, con volantes de papel (coronas) en los talones, y colocados boca abajo en una bandeja. En 1936 también creó su obra de arte más famosa. Después de hablar de manera casual con Pablo Picasso y Dora Maar en un café de París sobre todas las cosas mundanas que podía cubrir con su piel y convertir en arte, como el brazalete que había hecho y que llevaba en ese momento, seleccionó una taza de té, un platillo y una cuchara y las cubrió con piel de gacela china. El resultado, "Objeto", fue parte de "Fantastic Art, Dada, Surrealism", primera exposición surrealista celebrada en Nueva York, en el Museo de Arte Moderno (MoMA), y curada por Alfred H. Barr, Jr., en 1936. "Objeto" se convirtió en una repentina sensación artística mundial y el MoMA luego lo adquirió. Más tarde, Breton nombró el conjunto Le Déjeuner en fourrure ("Juego de desayuno de piel"), en un guiño a la pintura icónica de Le Déjeuner sur l'herbe (1863; "Desayuno en la hierba" de Edouard Manet) y a la novela erótica Venus en fourrures (1870, "Venus en pieles") del escritor austriaco Leopold von Sacher-Masoch. Recogiendo las recompensas de su nueva fama, Oppenheim tuvo su primera exposición individual en 1936, en la Galerie Marguerite Schulthess en Basilea.

En 1937, regresó a Basilea y se matriculó en una escuela vocacional durante dos años para estudiar conservación y restauración de arte, habilidades que planeaba usar para ganarse la vida. Abrumada por la sensación causada por "Objeto", Oppenheim se retiró de los surrealistas. También frustrada y temerosa de las limitaciones que su éxito temprano pondría en su carrera artística en desarrollo, se hundió en una profunda depresión y crisis creativa que duró casi dos décadas.

A fines de 1954 recuperó su interés en el arte y alquiló su propio estudio en Berna, Suiza. Durante ese período, también comenzó a escribir y extenderse a otras formas de producción creativa. Diseñó trajes para una producción de Daniel Spoerri de la obra de Picasso, Le Désir attrapé par the queue (1956). En 1959 creó una pieza de performance para un grupo de amigos cercanos de Berna: Fiesta de primavera, un banquete elaborado que Oppenheim sirvió (sin cubiertos) sobre el cuerpo de una mujer desnuda tendida en una mesa larga. Breton le pidió que reprodujera la pieza para la Exposición internacional en París (1956-1960) en París. A pesar de que sí participó, no estaba contenta cuando su trabajo fue criticado por objetivar a las mujeres, ya que su intención había sido reflejar la abundancia de primavera ofrecida por la Madre Tierra. Nunca volvió a exponer con los surrealistas.

En 1967, Oppenheim fue reconocida con una gran retrospectiva en Estocolmo. Su trabajo fue revivido aún más en la década de 1970 por académicas feministas que buscaban reintroducir artistas olvidadas en la historia del arte. En 1975 ganó el Premio de Arte de la ciudad de Basilea y en 1982 el Gran Premio de Arte de la ciudad de Berlín. A lo largo de su vida, Oppenheim creó joyas, esculturas, pinturas, muebles, performance y poesía.. Ella también diseñó varias fuentes públicas y privadas en sus últimos años. La controvertida fuente de piedra que diseñó para una plaza pública en Berna (1983), que gotea agua y produce algas y musgo, fue vista inicialmente como una monstruosidad por los habitantes de la ciudad. 

Exposiciones de finales del siglo XX y principios del XXI, que incluyen retrospectivas en la ciudad de Nueva York (1996; Museo Guggenheim), Berna (2006; Kunstmuseum) y Berlín (2013; Martin-Gropius-Bau), no la describieron como la sorprendente surrealista que fuera en la década de 1930, sino como una artista multifacética con una obra variada e inspirada.